sábado, 30 de agosto de 2014

SINIESTRO, 2012...





Este filme de Scott Derrikson de 2012, contiene elementos muy interesantes. Con diversos recursos para el género de terror, Derrikson muestra escenas que permiten mantener la expectación en suspenso y en un estado de incertidumbre en el que se está atento para no perder detalle sobre los hechos.

Ellison Oswalt (Ethan Hawke) es un escritor que se muda a la escena de un crimen, donde tiene que conocer los detalles para su nuevo libro que se basará en este suceso. Pasa por diversas situaciones cuando las pistas con las que cuenta son cintas grabadas en formato Super 8. Dando lugar a otro recurso que es el del "metraje encontrado". Con esto parece tener ciertos trastornos cuando se va acercando a las explicaciones del crimen, pero los hechos son reales y sobrenaturales. El crimen de que trata es el asesinato de una familia cuyos miembros son ahorcados. Sin embargo, este hecho se relaciona con otros.


Para causar terror, existen elementos como la oscuridad, las apariciones repentinas de personajes, ruidos extraños, sonidos rítmicos y permanentes que alteran al espectador. Entretiene y causa alivio cuando uno, al escuchar el ruido rítmico, cree que el peligro o lo sorpresivo de las escenas ha pasado, y cuando menos se piensa, las escenas cambian bruscamente causando asombro y espanto. 

Uno de los sonidos rítmicos es el hecho de que Oswalt tiene que preparar la proyección de los metrajes, de tal manera que Derrikson mantiene la atención causando la misma sensación hacia el espectador: los botones de encendido, el acomodo de los metrajes, el avance de los carretes y la iluminación en la proyección. Estos recursos hacen adentrarse en el filme captando la atención y envolviendo al público en el aparente alivio de la cinta.

Lo que pareció de mal agrado fue el final, aun cuando ya se predecía, pero no se esperaba que pasara, rompe con lo rítmico de la película, cortando esa sensación a la audiencia. Uno se mantiene atento y cuando pasa lo que se espera, llega la calma, dando poco asombro a los hechos.

Cabe destacar que cuando pude presenciar este filme, parecía tan interactivo que me causaba estremecimiento en algunas escenas ya que el aire hacía que la puerta de mi cuarto cerrara inesperadamente, como si la vivencia de lo sucedido en la película fuera real. Causando además que la piel se erizara.


sábado, 23 de agosto de 2014

SOY CUBA 1964. PLANOS SECUENCIA MAGISTRALES...




Este filme del director Mijaíl Kalatozov, contiene un magistral manejo de la cámara. Empleando un buen equipo en la producción de la película, este director soviético desborda su trabajo creando en el espectador un gran asombro al contemplar planos secuencia en una sola toma, donde Kalatozov maneja pocos cortes, valiéndose de la cámara como ese testigo que está registrando desde los mejores puntos estratégicos para que no pierda detalle de lo que observa.

Una vez finalizada la Revolución Cubana, se le pide a la URSS apoyo audiovisual para dar a conocer el Cuba del momento, que ha triunfado tras derrocar al dictador Fulgencio Batista. La Unión Soviética no duda en apoyar y le comisiona a este gran maestro la dirección de la película. Resultando este trabajo. La película había permanecido oculta. Martín Scorsese al darse cuenta de su existencia y ver lo magistral que era, la rescató.

Uno de los planos que asombra es el de los primeros minutos donde se describe a Cuba. En lugar de hacer el relato de lo que sucede, en esta ocasión prefiero que los lectores admiren la ubicación de la cámara y cómo se maneja de un lado a otro, de arriba a abajo sin ningún corte, hasta sumergirse incluso en el agua de la alberca.


Además este otro plano que testifica el funeral y la procesión, aunque de igual manera asombra cómo es que la cámara sube y se desplaza sin ningún corte, pasando por la fábrica de la cigarrera y regresando por los aires de la avenida.


Espero les guste.


jueves, 14 de agosto de 2014

TORTUGAS NINJA MUTANTES ADOLESCENTES 3D...





Desde que comenzó a anunciarse el filme de las Tortujas Ninja, despertó en mí un sinnúmero de sentimientos, efectivamente, se trata de los mejores dibujos animados de la niñez. Una vez que pude presenciar con nuevas expectativas, ha superado a las anteriores. Y no es para más los efectos visuales son de lo mejor. De primera instancia tuve ciertos ahogos cuando me enteré que por ahí Michael Bay estaría presente en la producción de la película.

Sin embargo, cabe destacar que Jonathan Liebesman, realiza un buen trabajo de dirección, aunque en algunas escenas no hay mucha estabilidad de cámara, hay mucho movimiento y esto hace que haya desorientación en el espectador. Por otro lado, existen algunas ubicaciones de cámara equívoca, no se aprecian bien los movimientos de los personajes, sobre todo en el enfrentamiento entre Destructor y Splinter.

Los gran plano general que muestran la escena de los edificios de Nueva York, sobre todo en la lucha de las tortugas contra Destructor, son impresionantes. Efectos especiales atrapan al espectador, aún más cuando se trata de una 3ra. Dimensión. El primer plano secuencia te atrapa y deja un buen sabor de boca. Como dirán la mayoría de los directores de cine, el primer plano te muestra lo que será la película. Y en palabras de García Marquez el escritor debe definir en las primeras líneas de su novela o cuento, la estructura y el ritmo. De modo que hablando del filme, los gráficos de historietas o cómics te transportan y motivan, es el primer plano secuencia que aparece y te ubica.

Desde luego una de las escenas que más sobresalen y que agradan es la de la nieve, la persecución de las tortugas ninja en busca de Destructor quien se ha llevado el mutágeno y el impedimento de la persecución por parte del ejército del clan del pie. El plano de este enfrentamiento y el deslice de las tortugas sobre la nieve es espectacular puesto que en 3D uno no espera que las llantas o pedazos de lámina den la sensación que salen de la pantalla.



Ya hacía falta un cambio de historia en los súper héroes, era necesario un respiro en la consecución de la misma historia que se repite y se repite y llega a aburrir. Ya Aristóteles en su Poética aclara que los elementos que debe tener la acción (habla de la fábula como aquella que representa a la acción) es la Unidad y la Extensión, es decir, que la acción contenga un principio, un medio y un fin o dicho de otro modo, que tenga determinados límites y determinada magnitud. De tal manera que para que haya algo Bello, debe tener tamaño y orden. Algo no se puede presentar en tantos episodios ya que el ojo no alcanza a percibir el objeto en su conjunto, escapando así la unidad. De manera que esta historia nueva es un parteaguas de los filmes de ficción anteriores que marean con la misma historia, refiriendo esto a la continuidad de muchas veces ya aburre.

En fin, hay muchas cosas rescatables de este filme el cual es recomendable para todo público.


Teenage Mutant Ninja Turtles



Título: Teenage Mutant Ninja Turtles
País: Estados Unidos
Año: 2014
Actúan: Megan Fox, Will Arnett, William Fichtner, Alan Ritchson
Dirige: Jonathan Liebesman
Guión: Josh Applebaum, André Nemec, Evan Daugherty
Fotografía: Lula Carvalho
Duración: 101’

Una de mis caricaturas preferidas de la niñez ha vuelto a la pantalla grande, sin grandes expectativas; ya que las versiones anteriores tampoco han sido muy agraciadas y si le agregamos el factor Bay (solamente como productor, pero claramente se nota su mano), tenemos una película que si bien no es tan mala tiene varios desaciertos.

Mantienen el nombre original de la franquicia: Tortugas Ninja “Adolescentes” Mutantes, vemos que las tortugas no son tan adolescentes, que incluso tienen un “toque oscuro”; que francamente no termina de cuajar, e irónicamente creo que los menos identificados con todo serán los adolescentes, producto enteramente dirigido al público infantil.

Mantiene las personalidades de todas la tortugas (se agradece, pero no se aplaude), los chistes de Michelangelo suenan algo rancios y bobos.


Sorprendentemente algunas escenas son sostenidas por Megan Fox, su personaje resulta fuerte y ágil, muy apropiado, no es ninguna princesa esperando ser rescatada.

Tiene un guión bastante facilón, estrictamente para entretener, sin metáforas para reflexionar. Los efectos especiales son muy buenos, la secuencia en la nieve es lo mejorcito, pero aún así es demasiado.

Clichés, chistes malos, referencias que sólo algunos entenderán, suficiente para salir del verano cinematográfico.


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Need For Speed




Título: Need For Speed
País: Estados Unidos
Año: 2014
Actúan: Dominic Cooper, Aaron Paul, Dakota Johnson, Imogen Poots
Dirige: Scott Waugh
Guión: George Gatins, John Gatins
Fotografía: Shane Hurlbut
Duración: 130’

Las películas basadas en videojuegos suelen estar encaminadas a la acción pura y dura sin complicarse argumentalmente, en este sentido la cinta lo cumple sin llegar a tomarse muy en serio.

Curiosamente las secuencias de acción a toda velocidad no son tan inverosímiles, lo que sí es difícil de asimilar es la gran cantidad de escenas trilladas, en las que el protagonista siempre tiene la solución perfecta a los problemas y logra llegar al objetivo por más imposible que parezca.

Aunque se caiga en clichés infinitos, no está restregando en la cara al espectador la cilindrada y velocidad máxima de cada vehículo ni en la importancia del tuning y la música rap, como sí lo hace la (fastidiosa e interminable) franquicia Fast And The Furious.

La parte técnica está muy bien lograda y se agradece los vistazos de varios superautos y los planos abiertos donde las secuencias se llevan a cabo sin saturar la vista.


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martes, 12 de agosto de 2014

Crítica Geek de Injustice: Gods Among Us



Título: Injustice: Gods Among Us
País: Estados Unidos
Año: 2013 (Año de estreno del juego)
Actúan (Voces latino): Batman Sergio Gutiérrez Coto, Superman Mario Arvizu, Wonder Woman Rebeca Patiño, Lex Luthor Humberto Solórzano, El Guasón José Antonio Macías, Green Lantern/ Yellow Lantern Arturo Mercado Jr., Flash Daniel del Roble, Aquaman Gerardo Reyero, Harley Quinn y Raven Karla Falcón, Nightwing (Dick Grayson) Héctor Emmanuel Gómez Gil
Dirige: NetherRealm Studios (equipo desarrollador)
Duración: 119’

Uno de las mejores ofertas para jugar en Wii U, PS3, Xbox 360 e iOS (versión reducida, pero decente), sin embargo esta ocasión nos centraremos en la película animada (en realidad el modo historia completo), en la parte inferior están los links para verla tanto doblada al español como en su idioma original.

En una realidad alterna el guasón ha intervenido la mente de Superman y le ha hecho matar a Lois Lane y sus hijo no nato, el corazón de Lois estaba conectado a un detonador de una bomba atómica, matanto a miles de inocentes en Metrópolis.

Superman no tolera la situación y asesina al Guasón y se transforma en un dictador y crea una organización llamada Régimen, los que no se le unen son eliminados, sólo unos pocos forman la resistencia.

La historia nos lleva a la dicotomía del universo tradicional para mostrarnos los diferentes derroteros que tomarán tanto héroes como villanos dependiendo de las situaciones que afrontarán.

Los trajes de los personajes del universo del Régimen son ligeramente diferentes para crear una diferenciación al espectador (detalles más surreales), y los del universo tradicional con prendas un poco más reales y apegados a lo que nos ha ofrecido DC en películas recientes.




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lunes, 11 de agosto de 2014

Retrocrítica The Bicentennial Man (1999): Homenaje a Robin Williams



Título: The Bicentennial Man
País: Estados Unidos          
Año: 1999
Actúan: Robin Williams, Sam Neill, Embeth Davidtz, Wendy Crewson, Oliver Platt, Hallie Kate Eisenberg
Dirige: Chris Columbus


Basado en la novela de Isaac Asimov (autor también de Yo Robot)con motivo de la celebración del bicentenerio de la independencia de los Estados Unidos, Chris Columbus nos lleva a una historia que en aquellos tiempos fue poco favorecida en la taquilla, pero que se ha convertido en película de culto.

Robin Williams interpreta a Andrew, un robot que por un extraño motivo ha desarrollado personalidad y es juicioso sobre su individualidad, nos transporta a esa sensación de sentirse solo y no pertenecer a un grupo, así que dedicará todo su tiempo y dinero (ya que no tiene problema en derrochar ambos).

Al igual que cualquier humano va evolucionando y madurando, aprendiendo del dolor y de la felicidad, nos plantea el viejo razonamiento sobre qué es lo que nos hace realmente humanos y Andrew nos hace saber en una de tantas emotivas escenas, que entiende por qué lloramos aunque sea algo que no puede hacer.

Tenemos escenas de comedia con el sello indiscutible de Williams y una muestra moderada de efectos especiales que resultan coherentes y no distraen de la historia principal.


En resumen una historia que al igual que otras películas de Robin Williams, se puede disfrutar en familia, para llorar a moco tendido y mirar al cielo y preguntarse cuál es nuestro propósito en este efímero paso por la vida.

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domingo, 10 de agosto de 2014

EL GRAN HOTEL BUDAPEST Y SUS NIVELES NARRATIVOS.




Wes Anderson trae una extraordinaria película. Presentada con ciertas técnicas similares a los filmes de los años 20's, como es el título y los carteles de los capítulos que están por  narrarse, así como ciertas tomas que enfocan a los personajes donde éstos dialogan con la cámara como si esta sustituyera a los dialogantes, tiene un aspecto exquisito en cuanto a guion se refiere.

El gran hotel Budapest, sorprende por la estructura de su narrativa. Son conocidos algunos cortos del detrás de cámaras donde Anderson trata meticulosamente cada una de las escenas, dialoga con los actores, les da explicaciones sobre cómo es que quiere tratar particularmente sus planos.


Esta diégesis que trata la historia de cómo Mr. Moustafa, de ser un simple botones, un niño que ha tenido que partir de su hogar por cuestión de la guerra, termina siendo el dueño del gran hotel, cuenta con cuatro niveles narrativos.

Como primer nivel narrativo, aparece el libro que nos habla sobre el Author que desarrollará la historia como tal. En ese momento la cámara nos muestra un segundo nivel que presenta propiamente al Author, este será la voz narrativa  que guíe a este gran filme. En este nivel, el Author nos cuenta la esencia de un escritor y cómo es que él decide contar una de las historias más interesantes. El filme en ese momento subirá a otro nivel narrativo que es cuando vemos al Joven Escritor cómo es que llegó al Gran hotel Budapest y se encontró con un señor mayor que llama su atención y descubre, gracias al Concierge que el señor, de nombre Moustafa, es el dueño del gran hotel.

El Joven escritor tiene cierto reconocimiento por lo que Mr. Moustafa al encontrarse con el reconocido escritor, lo invita a cenar para contarle la historia de cómo es que ha llegado a ser el dueño del hotel. Esto calma la curiosidad del escritor y acepta la invitación, por lo que ya en la cena Mr. Moustafa, al dar cabida para la historia, permite subir a un cuarto nivel narrativo, la línea que muestra propiamente el desarrollo adquisitivo de la propiedad para Mr. Moustafa.

Robert Yeoman, miembro de la Sociedad Americana de Cinematógrafos, dirige la fotografía en este filme, la cual es impresionante. Con tomas previas sobre las locaciones de filmación, este cinematógrafo organiza y ensaya para las tomas definitivas con los personajes (Esto lo podemos ver en el detrás de cámaras). Las locaciones son impresionantes y la fotografía admirable.

Formada por un gran elenco, que incluso aparece los promocionales oficiales de la película, dan un gran conjunto a la historia y esto como digo, porque Wes Anderson trata, si se me permite expresarlo de esa manera, con pinzas, cada uno de los detalles que dan ese estilo al filme.


viernes, 8 de agosto de 2014

Retrocrítica de Casino (1995)



Casino
País: Estados Unidos
Año: 1995
Dirige: Martin Scorsese
Actúan: Robert De Niro, Joe Pesci, Sharon Stone, James Woods
Fotografía: Robert Richardson
Duración: 178'

Me gustan tanto las historias de gánster de la vieja escuela tanto como a Scorsese, sin llegar a ser tan buena como Goodfellas (1990), esta película basada en una historia real, muestra la evolución de De Niro como actor consumado y a Scorsese como director y narrador de la cosa nostra.

Expone a una Sharon Stone en plena forma y de nuevo a su compañero de fórmula James Woods un año después; en una de las películas que marcaron los 90’s, The Specialist (1994) al lado de Stallone.


La historia de Sam Rothstein cuenta al detalle como la mafia movía los hilos dentro Las Vegas, lleno de excesos, lleno de acción, al límite.

El personaje de Nicky Santoro interpretado deliciosamente por Joe Pesci, que asume perfectamente la personalidad del tramposo violento; lleno de ambición, la misma que lleva a la ruina a toda la maquinaria de corrupción que los Jefes de la mafia llevaban engrasando durante dos décadas.

Además nos muestra un  atisbo de la vida emocional de sus personajes principales, ese dolor de Sam de nunca haber podido ganarse el amor de Ginger (su esposa), la cual siempre ha estado enamorada de otro estafador, así como la dualidad de Nicky, padre amoroso y violento asesino por igual.


Al final de la historia Sam relata que ahora que el hampa ha dejado Las Vegas se han convertido en una suerte de Disneylandia, lejos de todo aquel glamour cuando dirigía al casino Tangiers, y que ha tenido que volver a sus orígenes, ya que después de todo aún tiene el toque.

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