sábado, 3 de octubre de 2015

SENTIDO DE CREACIÓN EN "ANDRÉI RUBLEV" DE TARKOVSKY



En el filme Andréi Rublev, Tarkovsky muestra ese proceso de «saber-hacer» y «hacer-creativo» en el que intervienen un sinnúmero de elementos que provocarán la culminación de la obra. En él se puede apreciar los estadios por los que el pintor tiene que pasar para poder lograr su pintura, su «lógica poética que obligó a Rublev a crear su famosa Trinidad». Se tomarán algunas escenas del filme en el que se aprecia esta relación entre el artista y la obra y el proceso por el que pasa en relación a las circunstancias vividas.
En las primeras escenas aparece la relación entre el aprendiz y el maestro, de donde sobresalen temáticas como el esfuerzo, la claridad y la simpleza, la dedicación, el desinterés. En la escena que trata sobre la pasión de Rublev, el artista habla con su maestro. Se puede apreciar una relación entre Jesús y el artista. Así como con Jesús, la gente está con el artista y después le dan la espalda. Rublev siente ese peso y esa responsabilidad de pintar y la asume como Jesús asumió su misión al ser crucificado. Teófanes el griego, a quien toma como su maestro, le hace ver que hay una traición al propio arte (como Judas a Jesús). Hay una «prostitución del arte». A pesar de todo, el artista carga con su cruz, asume su responsabilidad. Hace falta una conciliación entre el artista y el arte, de aquí que se aprecien unas escenas de la pasión de Jesús clavado en la cruz (de donde Rublev es el protagonista, es el propio Jesús). Teófanes le insiste sobre la ignorancia que tiene la gente, sabe que hay un culpable de la propia ignorancia y es «uno mismo». Todos pecan por ignorancia y culpan a otros de esa ignorancia. El artista es servidor del arte mismo, no de la gente. Alaban, critican y se olvidan. Hay un círculo vicioso en la historia puesto que se repiten las estupideces de la gente.

En la escena titulada «El Juicio Final», se deja ver el encargo de la catedral por parte del obispo y la impronta de que esté terminada a costa de lo que sea, parecería que el artista se ve envuelto en un dilema en el que tiene que finalizar sin poder detenerse en la inspiración necesaria para ello. Un tiempo de dos meses es lo que ha llevado a los artistas, encabezados por Rublev, en pre-ver la pintura que cubrirá los muros de la catedral. Ya hay un aviso al príncipe de que aún no se ha iniciado el encargo de la pintura. Aparece la expresión “Sólo empieza y píntalo”, la frase que irrumpe con la idea de una pintura más contra el ideal del arte que inspira al artista.
Se aprecian dos maneras de ver el arte. Primeramente como simple oficio (producción, fabricación, técnica) y como creación (en el que técnica y poesía están inmersas). Hay una problemática para pintar el «Juicio». Rublev no sabe de qué se trata, lo que sí se sabe es que no es el simple hecho de pensar, sino que tiene que haber una densidad, una atmósfera propicia para la creación de la obra. Hay una negativa de hacer lo que se pide, no es el propósito del artista, pintar lo que le piden, sino más bien lo que hay en su interior. Foma, el discípulo de Rublev, desespera y se retira ya que él fue a pintar y es lo que quiere, así que irá a probar suerte en una capilla a la que lo han invitado, porque percibe que ahí nadie hará nada, o porque no lo han decidido, o porque aún no llega la inspiración.
Rublev establece esa relación en el arte, de nada sirve tener la intención de pintar y hacerlo, sino que hay un trasfondo en el que el arte se debe sentir, se debe anticipar con la mirada, aquello que realmente debe plasmar el artista en su obra (proto-idea), su intención, su motivación, su ser para dejar que la obra sea una vez completada (poner fin, delimitar la obra). Por eso trae las palabras del apóstol San Pablo cuando medita sobre la fe, la esperanza y la caridad, de las cuales la más importante es la caridad y si hace falta la caridad, no sirve de nada. Con esta analogía su discípulo se ha comportado como niño y ve las cosas como niño; Rublev, que es el maestro sabe que las cosas son distintas en el acto de creación de la obra.
En el Palacio del Príncipe también hay una petición y nuevamente se deja ver esta situación del trabajo por encargo, además de una situación de rivalidad entre los hermanos príncipes, cada uno quiere su palacio mejor que el del hermano.
En la escena que viene después de la incursión de la alianza del gran príncipe con el Khan mongol, Rublev se da cuenta de la miseria del ser humano, hay una desilusión, a tal punto que se siente decepcionado por el humano por el cual confió y trabajó para él. Se da cuenta de que las palabras de su maestro Teófanes son ciertas cuando discutían sobre el ser humano al cual Rublev defendía al tener en cuenta que el hombre es capaz de arrepentirse; Teófanes le dice que si Cristo volviera, lo volverían a crucificar. Sabe que el pecado ha hundido al hombre en la tiranía, por eso se dice servidor de Dios y no de la gente, porque «criticarán lo que primero han alabado». Esta situación que Rublev había negado, ahora se da cuenta, en esta escena de la invasión de los tártaros, de la razón que tenía su maestro. Rublev pierde la fe en el ser humano, cuando la catedral es saqueada al encontrarse la gente refugiada. Se siente ciego, había trabajado para la gente y ésta lo ha decepcionado. Este hecho provoca que Rublev haga un voto de silencio y a la vez prometa el no volver a pintar nunca más. Los tártaros robaron, violaron y ultrajaron la obra de Rublev y no sólo eso, él mismo ha pecado, matando a un hombre ruso que quiso llevarse a la mujer que Rublev decidió cuidar, una mujer muda con retraso mental que llegó a la catedral. Cuando ella fue raptada en la incursión de los mongoles, el pintor va detrás de ella y mata al hombre.

En la penúltima escena que trata sobre la campana, se deja ver nuevamente la intención del artista creador. Se trata de un joven fundidor. El príncipe anda en busca de alguien que pueda crear una campana. Al acudir a la aldea de los fundidores, los servidores del príncipe se encuentran con que no hay nadie que pueda hacer esta labor, puesto que la peste ha arrasado con ellos. A pesar de ello, se encuentran con Boriska, el hijo del fundidor, el cual, al darse cuenta de que el príncipe requiere de uno, se asume como tal, pidiendo que lo lleven hacia él con la pretensión de que conoce la fundición de la campana como su padre la conocía.
Boriska es llevado juntamente con otras personas, ayudantes, para la creación de la campana. Suena muy pretencioso el joven fundidor, ya que sus compañeros ayudantes, de mayor edad le hacen ver que tienen más conocimiento que él, por lo que la idea sobre la consistencia del lodo que cubrirá el cobre fundido, al ser negado por Boriska como poco favorable, les da una sensación de ineptitud. Boriska está en busca de algo para la creación de su obra. Expresa que “no es el lodo lo que se necesita”, sino otra cosa que ni él mismo sabe, aunque pretende saberlo.

Rublev tiene el encuentro con Boriska mientras éste da órdenes a sus ayudantes para la confección de la campana. Lo mira en distintos momentos, pareciera que se identifica con ese niño necio, que no escucha a sus compañeros sino a su interior. Finalmente están fundiendo el cobre y al momento de verterlo, Boriska lanza una súplica para que todo salga bien. Una vez que se enfría el cobre y van quitando el barro seco que rodea la campana, Boriska se maravilla de su obra creada, hasta el momento ha salido como lo había pre-visto, sin embargo hace falta la prueba final: el sonar de la campana. Mientras se va moviendo el badajo, se escuchan un sinnúmero de comentarios desfavorables sobre la campana, la multitud reunida considera que es una obra fracasada porque subestiman al joven que la ha dirigido. Cuando suena la campana se escucha la emoción de los ahí reunidos que han asistido para la bendición e inauguración de la obra de Boriska. Ante esto, el joven campanero llora amargamente porque el secreto nunca fue revelado por su padre como se los había hecho creer a todos; el secreto se fue a la tumba. En su poca experiencia, el hijo del fundidor, confió en que «sabía-hacer» la campana. Rublev acude a él y rompe con su voto de silencio y con su promesa de «ya no pintar más». Se ha identificado con aquel joven que llora en sus brazos. Además se da cuenta que este joven creador ha llegado a su momento de júbilo, ha combatido toda serie de circunstancias antagónicas que trataban de una u otra manera de opacar su labor. Sabe que este joven no se dejó vencer por la inhumanidad de aquellos que lo rodeaban, sino que más bien confió una y otra vez en que él sabía que lo lograría a pesar de las dudas que le surgían de momento. Puso la mirada y echó mano ante esa idea que se había forjado.

Toda esta situación permite que Rublev tome confianza en sí mismo y deje de lado la ignorancia e inhumanidad de la gente. Esto permitirá que retome su misión de pintar la Santísima Trinidad encomendada desde hace tiempo y abandonada al poner su confianza en la gente y no en su saber como artista del que hay una reiteración por parte de sus conocidos, pero que no ha habido un convencimiento aún, que tiene que llegar desde el artista mismo.


viernes, 11 de septiembre de 2015

ADIEU AU LANGAGE O EL REGRESO AL BALBUCEO




En esta era de la fragmentación y en el contexto del Fin de la modernidad o Crisis de la modernidad, donde el Ser se encuentra cada vez más oculto, podemos afirmar con Jac-Luc Godard Adieu au Langage, ya que en el filme de este cineasta se expresa esa situación en la que se encuentra el ser humano de cara a la tecnología, con el uso de la imagen que agota el pensamiento. En el filme se expresa a manera de «metáfora», el fin del mundo y el advenimiento de otro, lo que parece no tener un nombre claro. “Hemos venido a decir adiós”. Lo que se llama imagen, al parecer se está convirtiendo en el asesinato del presente y del pensamiento, momento en el que se puede expresar la igualdad entre el hombre y la mujer y que según los personajes, aparece en la imagen de Rodin con su escultura: «El pensante», el instante que pertenece a todo el mundo es el tiempo y espacio, el pensamiento unido que recupera su lugar en popa. Empero, “No hablamos nada”, y cuando alguien habla algo “no puedo oír nada”, lo único que se escucha:
–Dice que se está muriendo–así el hombre está cegado por la conciencia, incapaz de ver el mundo, no son los animales los que son ciegos.
Aparece en este filme el «perro» tarkovskiano, cuyo papel es dar a conocer que es el único animal capaz de ver afuera, está en el umbral, conoce el adentro y el afuera[1]. Godard da un peso significativo a la «escucha», sólo ésta permite el acercamiento entre los individuos “haz algo para que me acerque a ti” y aparece la idea del sexo como la única que puede provocar ese acercamiento, más ella retoma “Convénceme de que me escuchas”. Algo está sucediendo con el lenguaje, el silencio no llega por el sonido de la guerra, más bien llega en otro país. En este mundo en el que todo está «fragmentado» incluso por el lugar que está ocupando el lenguaje, “es necesario un intérprete, el mundo pronto lo necesitará para entender las palabras procedentes de sus bocas”. Ya no hay pensamientos, ni miradas, cada uno piensa que el otro está soñando.
–Hablo de igualdad y tú hablas de caca–a lo que responde el compañero.
–Ahí es donde todos somos iguales–es la escena de un hombre sentado en el inodoro, mientras ella le habla, él está en la posición del pensante de Rodin, momento en el que hay igualdad en el hombre.
Además aparece la idea de la mujer, su suavidad que es expresada al dar a luz el dolor; es en el dolor donde los hombres pueden ser sinceros cuando justifican la bondad de la mujer hacia ellos, en el dolor y la dulzura. Y sin embargo quedamos como en un «balbuceo» ante la fragmentación y el quebrantamiento incluso del lenguaje. Es un filme acorde a nuestro tiempo.



[1] Considero que es una alusión a la idea de la «Zona» en el filme Stalker de Tarkovsky en donde el perro es un guía en la zona, lugar en el que se cumplen los deseos.

lunes, 16 de febrero de 2015

BAJO LA MISMA ESTRELLA



Publicada en Revista Golfa.




Llena de sentimentalismo, “Bajo la misma estrella”, filme basado en el libro homónimo de John Green, recoge algunas situaciones que atraen al espectador hacia una percepción que desemboca en una cruda realidad. 

En lo personal, la temática que presenta la película, pareciera contener ciertos temas que parecieran muy trillados, sin embargo, una cosa es cierta y esa es la situación de los personajes que podemos identificar en el mundo mismo en el que nos relacionamos. 

Por un lado puede verse la idea de Josh Boone de querer generar esa parte de conciencia, pero… ¿Conciencia de qué?, tal vez puede pasar hacia espectadores que han presenciado o vivido parte de lo que ahí se maneja. En ese sentido pueden lograr ciertas relaciones. Por el otro lado, al interior de la misma, se descubre una cierta actitud un tanto ácida por parte del escritor al que visitan los personajes.

Dos vertientes que se tienen en esta diégesis y que podemos encontrar en la misma sociedad. La actitud del escritor Peter Van Houten (Willem Dafoe) es, sin embargo, crucial para la historia puesto que él habla de una pequeña que sufre una muerte. Este suceso está siempre presente en la vida de Hazel Lancaster (Shailene Woodley), y lo destacado de este elemento narrativo que es el libro, es la relación que guarda el escritor con el personaje de su libro. Es la propia vida del escritor la que se encuentra plasmada. La pequeña que muere es desde luego la encarnación de la hija del escritor, encarnación que se hace patente en un personaje que lucha contra su destino.

Los sucesos por los que pasó el escritor con su hija lo llevan a tomar una actitud distinta ante la vida, una actitud agresiva y sobre todo una actitud desmoralizante para personas, que como Hazel, van en busca de un aliento, una señal para continuar viviendo el poco tiempo que el destino le permitirá. Es un buen contraste entre la lucha y el repudio por la vida.

Con secuencias un tanto planas, Boone deja ver, gracias a las actuaciones de Shailene Woodley, el feeling de uno de los temas más en boga y no solo temas sino vivencias, problemas y consecuencias de una enfermedad que atrapa y ya no suelta a su víctima. Cada personaje deja sentir un poco su propia personalidad y desde luego que los espectadores se identifican con las actitudes ahí presenciadas. Desde una actitud positiva a una actitud negativa y repugnante ante la vida, repugnancia que tiene una gran causa, ser partícipe de la misma asistencia a la muerte del otro y que vira hacia una devastación de la propia persona donde ya no interesan los sentimientos de los demás.

lunes, 15 de diciembre de 2014

Interstellar - Nolan como el nuevo Kubrick



País: EUA-Reino Unido
Año: 2014
Actúan: Matthew McCounaghey, Jessica Chastian, Anne Hathaway, Casey Affleck
Dirige: Christopher Nolan
Guión: Christopher Nolan, Jonathan Nolan
Fotografía: Hoyte van Hoytema
Duración: 169’

Nolan siempre nos ha acostumbrado a relatos densos y llenos de recovecos, sin embargo en esta entrega va mucho más allá.

Las referencias a la teoría M, relatividad del tiempo, agujeros negros, inteligencia artificial conjugados con un drama familiar nos llevan a una historia que aunque en ocasiones puede ser predecible es totalmente fascinante.


Jamás pensé ver en el cine mainstream una muestra de cómo se percibe la visión de un espacio de cuerdas de tipo 1 (véase referencias a la teoría de cuerdas) para relatar una historia de padre-hija.

No podían faltar los actores fetiche de Nolan, Michael Cain, Anne Hathaway, un renovado Matthew McCounaghey (nada que ver con lo que vimos en 2005 en Sahara), aunque también vemos a un Matt Damon que no viene mucho al caso, pero que sirve a calzador para crear una atmósfera (nunca mejor dicho) de ansiedad y emoción palomera.

El robot modular TARS, una genialidad, una muestra sarcástica que no podría ser interpretada por un humano de manera tan adecuada.

Nolan nos lleva esta vez (de manera forzada) en un drama familiar, el problema es que trata de atarlo a como de lugar con la historia que debería ser la principal, utilizando ambas historias como trampolín una de la otra.

La musicalización es sublime, no hay más que decir en ese apartado, sobre todo en la escena de la despedida/secuencia de despegue, es llorar a moco tendido.


El final es complaciente, abarca demasiadas ideas , tal parece que a diferencia de Inception, no quiere dejar ningún cabo suelto al espectador, todo debe tener una respuesta.

Sin duda una película que, al igual que su gran inspiración: A Space Odyssey (1968), sea igual de menospreciada y sólo futuras generaciones le den el lugar que merece, no precisamente a Nolan, sino al conflicto humano con sus emociones internas así como su lucha por prevalecer a toda costa.

Al final vemos una colonia tubular, la que siempre nos presentan en NatGeo, me parece muy sencillo, habiendo en la película tanta originalidad, ver otros recursos trillados, pero la balanza se inclina hacia lo positivo, una recomendación como pocas veces lo hago.


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viernes, 21 de noviembre de 2014

PARA ESTE 20 DE NOVIEMBRE... CÁNDIDO NAVARRO...

CÁNDIDO NAVARRO. UN REBELDE EN EL BAJÍO.


Publicado en Revista Golfa

“La creatividad camina, trota y corre en la imaginación[1]”.
La División de Ciencias Sociales y Humanidades ha lanzado un nuevo documental el cual se estrenó a nivel nacional el pasado 30 de Septiembre del año en curso en el Teatro Principal de la Ciudad de Guanajuato. En esta ocasión, en colaboración con el programa: “La Universidad de Guanajuato en tu comunidad”, se ha realizado el documental «Cándido Navarro. Un rebelde en el Bajío», bajo la dirección de Julio César León. Como finalidad de dicho programa, la Universidad de Guanajuato ha tenido a bien tomar como iniciativa: “el rescate del patrimonio natural y cultural del Estado. Rescatar a las comunidades rurales[2]”.
La comunidad de la Aldea, ubicada en el municipio de Silao, ha dado al patrimonio Nacional a un personaje, guanajuatense ilustre que dio su vida en pro de la justicia Nacional y que gracias a este trabajo colaborativo que duró alrededor de 5 años, nos invita a la reflexión y a la toma de conciencia.
Nos dice Julio César León: “Uno de los procesos menos divulgados de la historiografía guanajuatense es el inicio de la revuelta armada iniciada el 20 de noviembre de 1910 y cuya primera batalla se libró en la entonces ciudad de la Luz, Guanajuato (hoy reconocida como parte del municipio de Guanajuato) el 11 de abril de 1911”.
Cándido Navarro fue un personaje que luchó por la justicia en los inicios de la Revolución de 1910. Nació el 2 de febrero de 1871 y gracias a sus estudios como profesor le permitió darse cuenta de la diferencia que se maneja en los estratos sociales, los ricos hacendados, la burguesía y los de abajo: los pobres quienes marcaban su ubicación geográfica en los cerros de las ciudades.
Navarro perteneció a una de las familias más conservadoras de la época y en 1907 fue cuando comenzó a oponerse a Porfirio Díaz. Fue director de la escuela “Santa Bárbara” en Azcapotzalco y debido a sus ideales y al participar en las elecciones fue relegado de su puesto. Perteneció al movimiento metodista y denunció mediante un panfleto para que la gente se uniera a la guerrilla. Fue en 1910 que regresó a Guanajuato para responder al llamado del Plan de San Luis. En Guanajuato, su estado natal, reunió a varios elementos para levantarse en armas. Combatió en 1911 en Mineral de la Luz en Silao donde recibió el grado de “General”, nombramiento que le ratificó Francisco I. Madero.
Más tarde se unió al zapatismo y al postularse como candidato a la gubernatura de Guanajuato criticó a Madero publicando artículos periodísticos. Este hecho hizo que fuera perseguido y recluido en la Ciudad de México. Fue liberado por el régimen huertista, lo que provocó trasladarse hacia el sur y unirse a Emiliano Zapata, formando parte del Ejército Libertador del Sur. Zapata lo envía al Bajío para extender su movimiento, fue escoltado hasta Guanajuato y durante el camino sufrió bajas de su ejército.
Una de las estrategias en sus combates de este gran insurgente era el lema: “El combatiente protege al monte, porque el monte protege al combatiente” de tal manera que avanzaba por el monte para acercarse hacia San Luis Potosí, sin embargo, fue alcanzado y acribillado en un poblado llamado Santiago, entre Guanajuato y San Luis Potosí. No se sabe donde están sus restos, ni hay una placa que de fe de ello. Lo que sí es que la vida y movimiento de este personaje invita a los guanajuatenses y a la comunidad nacional a una «Reflexión y toma de conciencia» ante las injusticias que se presentan.
El señor José Rangel Castro compuso el primer corrido a Cándido Navarro, el cual fue sometido a concurso y resultó ganador, convocado por el Comité Independiente de la Aldea, municipio de Silao, Gto., y en cuyo enlace que aparece a continuación puede escucharse dicho corrido:

video


FICHA TÉCNICA.

Título original: Cándido Navarro. Un Rebelde en el Bajío.
País: México (Guanajuato).
Año: 2014.
Género: Documental Histórico.
Duración: 38 minutos.
Dirección: Julio César León Morales.
Producción Ejecutiva. División de Ciencias Sociales y Humanidades de la Universidad de Guanajuato. Campus Guanajuato a través del Programa “La Universidad de Guanajuato en tu comunidad”. Felipe Macías Gloria, Patricia Campos Rodríguez, Javier Corona Fernández, José Luis Jiménez González, Colegio de Historiadores de Guanajuato A.C., Familia León Morales.
Producción y difusión: Rodolfo García R.
Guion: Julio César León Morales.
Investigación Histórica: Luis Ernesto Camarillo Ramírez, Roberto C. García Rodríguez.
Asesoría documental: Juan Gallardo Cervantes.
Sonido: Paúl León Morales.
Fotografía: Alternarte Producciones.
Diseño gráfico: Christian Iván Zárate Gutiérrez.
Edición: Diana Castillo Solórzano.
Actuación: Pedro Jasso Farías.
Voz en off: Ma. Concepción Sámano Patiño.


[1] Palabras de Bienvenida por el representante del Comité Independiente de la Aldea, municipio de Silao, Gto.
[2] Palabras de la Dra. Patricia Campos Rodríguez, directora del programa “La Universidad de Guanajuato en tu comunidad”.

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